Osteoartrite do site de visões ambientais em adultos jovens

Com uma vibe híbrida new age / jazz / prog rock dinâmica, muitas vezes caprichosamente descrita como “Miles Davis encontra o Pink Floyd”, Jeff Oster, desde seu lançamento de 2005, estreou em todo o álbum, mudou as fronteiras e redefiniu as possibilidades sonoras da música pop instrumental. .

Seu limite estourando, a carreira cheia de prêmios alcançou um pico dinâmico em 2017-18 como um membro da FLOW, um conjunto dinâmico (que inclui Frea Joy, Lawrence Blatt e o lendário fundador da Windham Hill, Will Ackerman). -titled coleção atingiu o Top 5 na Billboard New Age Albums e ganhou álbum do ano no ZMR Awards e Best New Age álbum no Independent Music Awards.

Para o inventivo trompetista e flugelhornist, havia apenas uma maneira de acompanhar esse sucesso – Alcance!

A combinação das melodias profundamente sentidas de Oster, grooves ecléticos e texturas exóticas fazem de Reach um verdadeiro triunfo de improvisação mais no espírito da fusão jazz do que o gênero normal de Oster. Considerando as origens orgânicas do álbum e os estilos amplos, a coleção mantém-se unida tematicamente por causa do grande detalhe que Oster trouxe para o projeto osteoartrite no alívio da dor no joelho após a conclusão da música. Desde a ecoada percussão indígena no início de “Avante”, passando pelas gloriosas e convidativas flautas indianas que conduzem a jornada para “A Cidade Rosa” de Jaipur, na Índia, Oster leva o ouvinte a uma jornada alegre. As paradas ao longo do caminho incluem “The Rockaway” (nomeado para a última parada do trem “A” em Nova York), “Le Caveau” (nomeado para o clube de jazz livre semelhante a uma caverna de Paris Le Caveau de la Huchette), “ The Lotus Within ”(uma meditação introspectiva chamada The Lotus Temple em Nova Delhi, Índia) e“ Five Great Great Mountains ”, cujos picos foram visitados pelos grandes soberanos da China antiga.

“Há algo verdadeiramente libertador em Reach”, diz Oster. “Como o título indica, eu posso não saber onde o próximo destino da minha vida é, mas eu sei que há beleza em buscar algo que eu nunca fiz musicalmente para capturar a essência de uma apresentação ao vivo. Eu sempre soei muito diferente no palco do que na minha música gravada em laboratórios de artrite, e trabalhar com Ruslan e seus incríveis músicos me abriu para explorar um novo território. Eu sou classicamente treinada, e os gráficos que eu geralmente escrevo para meus leads de trompete e flugelhorn são bem estruturados. Então, literalmente, pegar essa faixa de cada vez, prosperando no espírito de espontaneidade de construir a partir do zero, então dividindo tudo em músicas viáveis, foi uma experiência muito gratificante ”.

Tendo descoberto a música de Windham Hill e Narada mais ou menos na mesma época, eu estava bem ciente da abordagem que as gravadoras empregavam para oferecer aos ouvintes músicas maravilhosas que estendiam os talentos de um artista ao emparelhá-los com vários músicos igualmente talentosos no estúdio. O álbum seria lançado com o nome do artista individual e os outros músicos seriam tradicionalmente creditados como artistas convidados no álbum principal do artista. Deixe-me ser claro

desde o começo sobre FLOW, o álbum e FLOW, o grupo não é músicos individuais convidados, estrelando as composições um do outro, cada um tendo uma chance de liderar o álbum. Em vez disso, este é um esforço de grupo para começar o cotovelo da osteoartrite e, enquanto escutei cada uma das músicas, não tive a sensação de que uma música representa Ackerman, uma música representa Fiona e assim por diante. Cada composição representava FLOW como um grupo de execução simples e simples.

Caso você ainda não saiba, o FLOW é um acrônimo para os membros do grupo. F é para Fiona Joy. L é para Lawrence Blatt. O é para Jeff Oster e W é para Will Ackerman. Cada membro é bastante distinto como músico, compositor e intérprete por si só, mas traz todos eles juntos e você tem o equivalente dos grupos de super-estrelas que foram ocasionalmente formados no mundo do rock, como Power Station, CSNY, Ásia ou Travelling. Wilburys. Então, mesmo antes

Sentei-me e escutei o álbum que eu sabia que estava prestes a receber, mesmo que o álbum tenha tomado a abordagem que muitos grupos fazem para destacar cada membro e sua contribuição para o todo, enquanto os outros membros apoiavam o momento um do outro ao sol. . Felizmente os membros do FLOW tomaram outro caminho que renderia um todo coeso que é muito mais poderoso e agradável do que ouvir músicos se revezando tocando suas músicas.

O pioneiro eletrônico e ambiental Steve Roach começou a criar sua música durante a fase áurea dos sintetizadores analógicos da idade avançada dos anos 70 da osteoartrite, uma época em que a variedade digital só era visível no horizonte. Por isso, é refrescante que um álbum que continue essa tradição prática, o Spiral Revelation

(2017), recebeu sua primeira indicação ao Grammy. Escolhido na categoria de Melhor Álbum da Nova Era, o álbum é criado quase inteiramente com sintetizadores modulares e autônomos, com base no entrelaçamento dinâmico e em espiral de formas melódicas e rítmicas de sequenciadores.

Com suas inclinações analógicas, o Spiral Revelation soa totalmente contemporâneo graças à sofisticação tecnológica e à maturidade criativa da Roach. No entanto, as melodias cinéticas e borbulhantes apontam para suas origens, tornando-se um lugar natural para começar a história de quão longe ele viajou.

Um piano digital é um teclado eletrônico que emula a artrose, significando o som e a sensação de um genuíno piano acústico. Ele pode ser diferenciado de seu instrumento precursor – o “sintetizador” – que usa ondas sonoras produzidas eletronicamente para criar sons especificamente eletrônicos.

O primeiro piano digital comercialmente disponível foi produzido pela Yamaha em 1983. O Clavinova YP-40 foi o mais notável dos lançamentos. Mais de uma extensão dos sintetizadores da década de 1970, os sons foram produzidos eletronicamente usando modulação de frequência, ao invés de tecnologia de amostragem que é usada por todos os pianos digitais hoje. [1]

A síntese de modulação de frequência (mais comumente chamada de “FM”) funciona modulando (ou alterando) a freqüência de uma onda sonora produzida eletronicamente. Isso resulta em uma ampla variedade de tons, dependendo das mudanças na frequência e de uma combinação de outras ondas. [2]

Desde os 14 anos, o compositor sueco Stefan Strand vem experimentando e criando sons eletrônicos. Inicialmente inspirado pelas trilhas sonoras dos videogames e pela cena techno alemã, não demorou muito para que ele descobrisse as paisagens sonoras mais expansivas de artistas como Jean Michel Jarre, Robert Rich, Aphex Twin e Pink Floyd.

Strand quer que sua música seja uma experiência gratificante e imersiva para o ouvinte. “Eu tento criar atmosferas e humores com minha música. Eu não chamaria isso de minimalista, mas em vez de dar muito em termos de melodias, eu pretendo incorporar mudanças sutis e implícitas. ”

Pianista australiana, produtora & A cantora Fiona Joy está aproveitando o sucesso de seu recente lançamento Signature Synchronicity, acaba de retornar de sua terceira grande turnê na China, artrite reumatóide medscape, gravou um novo álbum nos EUA e um concerto com seu Blue Dream Ensemble no Joan Sutherland Performing. Arts Centre (Sydney) – bem como se apresentando no Festival Internacional de Jazz de Sydney.

Na China, Fiona Joy é apelidada de A Anjo do Piano, não apenas por suas canções românticas e melódicas e seus arranjos exuberantes, mas também por seu estilo de apresentação gracioso e hipnotizante em estilo de balé. É um estilo que vai servir bem ao novo álbum dela, considerando que é inspirado nos contos de fadas modernos. Compositora prolífica, sempre se interessou em criar músicas que evoquem imagens, emoções e histórias.

Quando não está gravando ou fazendo turnês, Fiona está ocupada dirigindo o empreendedorismo, a artrite no pescoço pode causar vertigem ao lado de seu negócio de música, um esforço que é crucial para o sucesso de todo artista independente. Ela administra sua crescente gravadora, a Little Hartley Music, e promove a Fiona Joy Jewellery, sua nova linha que oferece os sofisticados braceletes adornados com cristais Swarovsky e jóias de pés que ela usa enquanto se apresenta descalça em shows.

Apesar de vários lançamentos de James Murray terem sido revisados ​​na revista, ele não foi tema de um grande artigo ou entrevista – até agora. É um descuido que deveria ter sido corrigido há muito tempo, mas esperamos que a seguinte entrevista em profundidade seja uma expiação adequada. Se alguma coisa, a entrevista vem no momento perfeito como o Murray baseado em Londres acaba de lançar uma esplêndida nova longa-metragem, Eyes to the Height, que evidencia o alto grau de artesanato o autodidata

compositor trouxe para todos os spondyloarthritis definição de seu trabalho desde 2004. Você nunca sabe bem o que você vai conseguir com um lançamento de Murray, mas a certeza de que a qualidade será alta, independentemente de se o foco é ambiente-eletrônico, moderno clássico ou eletroacústica. Agradecemos a Murray por compartilhar tão abertamente seus pensamentos sobre o álbum e seu processo criativo.

ST: Eu tenho que dizer trilhas sonoras de filmes. Especialmente o trabalho de John Barry & John Williams. Crescendo nos anos 70 & Em 1980, muitas das minhas experiências cinematográficas foram classificadas musicalmente nesses dois compositores. Eu posso ouvir uma correlação direta entre minhas sensibilidades musicais e trilhas sonoras como ‘The Black Hole’, ‘James Bond’, ‘Star Wars’ etc. Mesmo mais tarde, ainda era uma música de filme que me tocou e inspirou principalmente, a forma de

Jon Hopkins sempre insinuou a capacidade de criar uma obra-prima coesa e genérica. Ele fez exatamente isso com o “Immunity” de 2014. Documentando os meandros da festa, o álbum teve dois lados, desde o impressionante slow build de ‘Open Eye Signal’ e o crash-bang-wallop de ‘Collider’ no primeiro lado até um back-end mais lento e mais meditativo, Era tudo que as diretrizes de tratamento de espondiloartrite veterano tecno haviam prometido e muito mais.

seu segundo como compositor. Depois de um hiato de 24 anos de composição musical, uma vez que ela começou de novo, as comportas se abriram. O primeiro álbum de música original de Shoshana, Dancing on the Wind (2016), foi nomeado para o significado espiritual de Whisperings Solo do “Álbum do Ano” da Radio Piano, do “Álbum de Piano Solo do Ano” da One World Music Radio e do “SoloPiano.com” Álbum do Ano. ”Não me surpreenderia se a música gentil e sincera de Prelude to a Dream fosse tão boa ou melhor. As onze peças deste álbum são

tudo muito calmante e tocou com uma ternura expressiva. De certa forma, pode ser um álbum de ninar, já que os repetidos padrões da mão esquerda são hipnóticos e o tom geral da música é muito quieto e pacífico. Você não vai querer cochilar e perder nada disso! Como faz tantas vezes, o designer gráfico Matt Streiby captou perfeitamente a sensação do álbum com sua capa.

Deep Space Blue é um lançamento de música ambiental / espacial do premiado compositor e sintetista australiano Jim Ottaway. O criador de pelo menos vinte e cinco álbuns de música original em vários gêneros, bem como música para filmes e televisão, o currículo de Ottaway é longo e muito impressionante; Deep Space Blue é o seu décimo primeiro lançamento internacional. A inspiração para a música de Ottaway decorre de seu amor pela natureza e sua conexão espiritual com a

Gold Coast de Queensland, Austrália. A música deste álbum tem um sentimento muito orgânico e apresenta uma variedade de instrumentos musicais (eletrônicos), bem como sons atmosféricos. Não surpreendentemente, a música transmite sentimentos de vasta escuridão e de flutuação sem esforço através do espaço e da diartrose do tempo. As seis faixas vão de pouco menos de seis minutos a cerca de 16 minutos e meio, então há poucas interrupções na música. As faixas foram gravadas ao longo de um período de três anos, e Ottaway também fez a mixagem, masterização, gráficos e

Quando Paul Avgerinos se formou no Peabody Conservatory of Music em 1980, como bolsista de honras, ele já havia atuado como baixista com Isaac Stern, Jean Pierre Rampal, The Beaux Arts Trio, Baryshnikov e muitos outros grandes artistas clássicos. Ele também ganhou bolsas para tocar e estudar em festivais de música em Tanglewood, Aspen, Grand Teton, Taos e Spoleto (Itália). Após a formatura, Paul serviu como principal baixo de várias orquestras sinfônicas importantes

Expandindo os exercícios de gênero mais populares para a artrite na região lombar e nos quadris, Avgerinos fez uma turnê como baixista com Charles Aznavour, Liza Minelli e a lenda do jazz Buddy Rich. Buscando promover sua composição original e desenvolver sua paixão de infância pela música eletrônica, Paul construiu o Studio Unicorn, um abrangente estúdio de gravação digital / analógico, em 1984. Seguiram-se nove CDs solo no gênero New Age,

incluindo Muse do Round Sky no rótulo Hearts of Space. Musa foi indicada para um Grammy e é tocada em mais de 2.000 estações de rádio ao redor do mundo, além de programas sindicalizados como Music from the Hearts of Space e Echoes de John Diliberto. Dois recursos de trinta minutos com o último são adicionados aos seus créditos, juntamente com suas muitas outras entrevistas de rádio. A música de Paul está sendo tocada no rádio Sirius XM Satellite & DMX, bem como SoundScapes Music Choice.

Ele apareceu em catorze CDs de sampler e como artista convidado em álbuns de Joanie Madden, Faruk Tekbilek, Joaquin Lievano, Brian Keane e outros. Paul grava e produz muitos álbuns populares e trabalhou com artistas tão diversos como Jewel, Willie Nelson, Deana Carter, Richie Havens, Run DMC e Celtic Tenors. Avgerinos sempre arranja tempo para marcar

e trabalhou em muitos projetos de filmes, comerciais, TV e cabo para todas as redes principais e secundárias. O trabalho de Paul em Red Moon, de Peter Kater, ganhou um código para a nomeação de Grammy de 2004 para artrite. O álbum de Paul GNOSIS ficou em primeiro lugar na New Age & World Radio Chart e seu mais recente, Garden of Delight, ganharam um prêmio para o Melhor Álbum Mundial de 2007. Manter-se ocupado criando música original para uma variedade de projetos interessantes e recompensadores é um modo de vida.