San diego festival de cinema asiático 2018 – ucsd guardião é artrite uma deficiência no âmbito da segurança social

O festival de cinema asiático de San Diego retornou neste 8-17 de novembro para o seu 19º ano. Um dos maiores festivais asiáticos de cinema nos Estados Unidos, este ano incluiu uma vasta gama de filmes de cineastas independentes e renomados. Aqui estão as resenhas da equipe de artes e entretenimento dos guardiões de alguns dos filmes destacados no festival deste ano. Para mais informações sobre esses filmes ou sobre o festival em geral, visite sdaff.Org.

“Pôr do sol em minha cidade natal” estrelas descontentes kim hak-soo (parque jung-min); ele é um azarão, para dizer o mínimo. Ele fez uma audição temporada após temporada em “mostre-me o dinheiro”, um programa de competição para os futuros rappers, e inevitavelmente perde pela terceira rodada a cada vez. Pior de tudo, ele é totalmente excluído do programa.

No entanto, kim tenta novamente para a sexta temporada, mas ao fazer isso, algo inesperado acontece. Seu pai, que está afastado, se interna no hospital depois de um derrame, o que significa que Kim é momentaneamente forçado a suspender seus sonhos de rap. Kim relutantemente retorna à sua cidade natal de Byeonsan, na Coreia do Sul, para ajudar a cuidar de seu pai de volta à saúde. Ele não está de volta em Byeonsan desde que ele abandonou o ensino médio, e ainda assim ele se depara com mais problemas quando seu passado colide com o presente. No entanto, como kim e o público percebem, é ao confrontar o lugar que ele deixou que o kim é capaz de avançar tanto em sua vida quanto em sua florescente carreira de rap.

Quando kim se lembra de seu passado através de cada encontro com um ex-colega de classe, o mesmo acontece com o público através de flashbacks bem cronometrados. “Sunset in my hometown” faz um trabalho fantástico de flertar de cena em cena, misturando o passado e o presente para contar um conto cômico e ainda assim reconfortante. Juntos, Kim e o público revivem embaraçosas confissões de amor do ensino médio e quase todas as conversas desajeitadas. Embora kim não seja particularmente expressivo, é através desses vislumbres de seus dias de colegial e cenas de seus esforços apaixonados em “mostre-me o dinheiro” que revelam quem kim era e quem ele é agora. Tudo o que o público precisa saber sobre o que o kim está realmente pensando é revelado por suas letras profundamente pessoais, habilmente demonstradas pelo diretor Lee Jean-Ik, notável capacidade de destacar este aspecto do filme.

“Pôr do sol na minha cidade natal” é sobre mais do que a potencial carreira de rap do kim; é sobre cada personagem envolvido. O filme conseguiu que o público se importasse com cada pessoa, independentemente de quão pequeno fosse o seu papel, entremeando memórias na história atual. Acima de tudo, as performances emocionais genuínas do elenco tornaram o filme impactante. Particularmente, a poderosa atuação do park jung-min permitiu que o caráter de kim se desenvolvesse de um protagonista distante para um que o público pudesse se conectar e admirar. A cada reviravolta, o público não pode deixar de torcer pelo kim do começo ao fim.

Cathy yan faz sua estréia na direção com seu filme caprichoso, mas sério, “porcos mortos”, narrando os contos interconectados de cinco pessoas durante uma repentina epidemia de suínos em Xangai. Com o trabalho de sua vida pelo ralo, o velho wang (haoyu yang), um criador de porcos, cai em dívidas pesadas e acaba jogando suas carcaças de porco em um rio. Sua situação catalisa o filme à medida que somos apresentados aos outros personagens – um dono de salão de língua afiada, um arquiteto diligente, um ajudante de garçom e uma menina rica e descontente – que lutam com suas próprias dificuldades no meio desse surto.

“Porcos mortos” não é centrado apenas em águas infestadas de porcos, mas também na modernização rápida e oportuna na China. O filme está embutido em temas de hierarquia de classes e industrialização, e vemos os personagens se adaptarem e chegarem a um acordo com essas incontroláveis ​​mudanças e desigualdades. Ele subliminarmente comenta sobre a lacuna econômica entre os cidadãos, uma vez que certos personagens não têm dinheiro enquanto outros são abastados. Há também uma batalha entre “tradicional” e “moderno”, já que alguns personagens lutam contra o desenvolvimento urbano ansiando por um passado nostálgico, enquanto outros defendem avanços modernos voltados para o futuro oportuno.

A maior parte da cinematografia cativante do filme destaca a metade solene dessa história. Ruas agrárias degradadas justapõem as cenas noturnas fluorescentes em luxuosos restaurantes urbanos. Isso reforça a supracitada dualidade de “velho” versus “novo”. Uma imagem distinta é uma terra rural demolida com apenas uma casa azul-turquesa, mostrando o estado destrutivo da modernização, mas oferecendo um tom de azul esverdeado que sugere otimismo reconfortante.

Paralelamente a esse vislumbre da cor brilhante, “porcos mortos” também é salpicado de humor de nicho para destacar seu humor otimista. Apoiado por um elenco eclético, o filme está maduro com personalidades distintas e memoráveis ​​que se unem em tempos difíceis. Em última análise, é um filme sobre reconciliação, narrando como o amor e o apoio familiar podem superar em muito as realidades infelizes.

“Por quanto tempo eu vou amar você”, uma comédia romântica de viagens no tempo de 2018, conta a história de um homem e uma mulher que ocupam o mesmo apartamento, mas vivem em linhas de tempo com quase 20 anos de intervalo. Gu xiaojiao (tong liya) e lu ming (lei jiayin) são forçados a viver juntos depois que seus apartamentos se combinam com seus respectivos cronogramas. Gu, a partir de 2018, precisa de dinheiro para recomprar sua mansão de infância. Lu, de 1999, precisa de dinheiro para avançar em sua carreira no projeto arquitetônico. Os dois acabam se tornando amigos, e juntos eles planejam trapacear em uma loteria de 1999, procurando os números vencedores em 2018. No entanto, os dois logo descobrem que as regras de viagem no tempo entre os dois períodos de tempo não são tão flexíveis quanto parecem .

O filme é uma representação agradável e genuinamente divertida de como as vidas de todos os indivíduos estão conectadas. É emocionante a química doce e divertida entre gu e lu, enquanto o desenvolvimento da trama permanece criativo e surpreendente. Apesar de alguma confusão inicial em relação aos papéis de personagens secundários no esquema do filme, a adorável cinematografia e o tratamento exclusivo do conceito principal da trama são mais do que maquiagem para ela. No final do filme, a história é totalmente esclarecida e está lindamente concluída. “Quanto tempo eu vou amar você” deixa o público satisfeito e pensativo.

Uma comédia de terror brilhante e inventiva, “um corte dos mortos” é sobre uma equipe de filmagem – composta por um ator e atriz desconhecidos, um maquiador de vingança e um diretor perturbado – juntando um filme de zumbi de baixo orçamento. No entanto, quando uma verdadeira invasão de zumbis atinge, o diretor mantém a câmera rolando, capturando o medo e as imagens cruas de sua peça cinematográfica, enquanto todos os outros lutam por suas vidas.

Vários filmes notáveis ​​como “zombieland” e “shaun of the dead” vêm à mente quando “zumbis-comédias” são mencionados. Após sua exibição, “um corte dos mortos” pode merecidamente ser coroado como um filme inovador e de primeira linha neste popular gênero de “mortos-vivos”. Os detalhes escondidos merecem uma re-observação. Eles inicialmente parecem sem propósito, mas são realmente meticulosamente criados com intenções impressionantemente humorísticas. “Um corte dos mortos” vai além das expectativas com sua hilaridade extravagante, estabelecendo piadas de longa duração que culminam com uma piada satisfatória. Também é melhor assistido sem saber muito. Há singular esquisitices e reviravoltas inesperadas que completam o círculo para fazer sentido completo e histérico no final.

Sendo um “zomedy”, o filme tem sangue e decadência, mas mais ainda celebra o processo tenaz e movimentado de filmagem. Os personagens passam por um patch bastante áspero e sangrento, mas eles ainda se vestem quando as coisas parecem sem esperança no set de produção. “Um corte dos mortos” realmente acrescenta uma nova faísca e inspiração ao velho e platiante show-business dizendo: o show deve continuar.

Envolta em florestas verdejantes e envolta em um esquema de cores suaves e marrons, “a terceira esposa” segue o casamento arranjado e a gravidez de uma garota de 14 anos no Vietnã do século XIX. Tanto o filme quanto seu personagem principal, (nguyen phuong tra my), são representados de maneiras silenciosas, bonitas e modestas. Assistimos às tarefas diárias dela – obedecendo aos desejos dos mais velhos e tentando uma criança do sexo masculino. Ela executa tudo isso com poucas palavras e praticamente sem queixas, aparentemente a esposa obediente com a vida “ideal”. No entanto, ninguém percebe que, em seus incontáveis ​​olhares silenciosos e instáveis, há uma inconfundível agitação interior.

Mas um vislumbre dos compromissos de outros, como as outras esposas do marido de may, revela que ela não está sozinha nos confins das expectativas sociais. O tormento implícito de abortos espontâneos, casamentos arranjados, assuntos e questionamento da sexualidade permeiam a vida privada das mulheres e meninas ao seu redor. Ao longo do curso lento do filme, eventos infelizes, ainda que historicamente comuns, constroem um sobre o outro até que possam atingir seu ponto de ruptura.

Embora tais práticas em uma cultura patriarcal centrada na honra da família possam parecer lamentáveis ​​e arcaicas para uma audiência americana, o diretor Ash Handfair lida com esses assuntos controversos de maneiras mais íntimas e sensuais. Sua restrição deliberada ao ritmo, atuação e até cinematografia faz com que um filme possa ter sido uma história super dramática e alienante. Mas a abordagem sutil de mayfair cria uma estréia na direção que é firmemente madura e relevante hoje em dia. Embora “a terceira esposa” possa parecer despretensiosa a princípio, ela pode finalmente contar uma história que vale a pena ouvir.

“Ficção e outras realidades”, um drama de 2018, conta a história de, bobby choy (bobby choy), um jovem que atualmente trabalha em uma empresa de telefonia sonhando em se tornar um músico. Insatisfeito com sua vida lá, e sentindo-se como um estrangeiro como coreano-americano em uma sociedade predominantemente branca, ele decide viajar para Seul, na Coreia do Sul, com a banda de um amigo. Lá, Bobby se sente em casa e aceito, especialmente depois de fazer amizade com o colega músico ina (hwa-young im). Os dois formam uma dupla musical e gradualmente ganham confiança em cada uma de suas habilidades musicais. No entanto, assim como lhes é oferecida uma chance de se tornarem mais bem-sucedidos, a obrigação de ir para a pós-graduação começa a interferir.

Este filme é ao mesmo tempo emocionante e realista em sua interpretação de como a música pode unir as pessoas. Os personagens são críveis e complexos, com problemas e conversas que são escritas, não para um efeito dramático, mas para o desenvolvimento do personagem. Particularmente pungente é um telefonema entre bobby e sua mãe (lee arenoso), como eles se lembram de seu falecido pai. No entanto, há momentos no estilo do filme que talvez sejam inconsistentes com o tempo e a aparência de sua cinematografia geral e edição de som, o que às vezes dá o efeito de picadas. Apesar disso, o filme atinge seu objetivo percebido de uma reflexão de fala mansa tanto da experiência asiático-americana quanto da importância crua das relações em nossas vidas.

O diretor shinya tsukamoto conquistou status de cult através da produção de alguns dos mais bizarros trabalhos de terror japonês com filmes como “tetsuo: o homem de ferro” e “balé balé”. No entanto, seu recente retorno à tela com seu mais recente filme “matando” uma tentativa de dobrar o filme do samurai, que é um pouco tímida, apresenta uma reviravolta fraca para o famoso diretor. Exibido como parte do circuito de mestres do festival de cinema asiático de san diego, o filme segue um jovem ronin, ou samurai sem mestre, chamado tsuzuki (sosuke itematsu) que luta contra sua incapacidade de matar quando sawamura (tsukamoto), outro ronin, o recruta para servir o novo shogun.

Inspirando-se claramente no lendário diretor akira kurosawa, “killing” é um retrato belamente filmado do campo japonês, empregando fotos trêmulas de tsukamoto, feitas com a câmera de mão de copas de árvores sopradas pelo vento e a paisagem montanhosa rural. As cenas de ação central do filme, adequadamente acompanhadas da pontuação final e fantástica do falecido chu ishikawa, são intensamente aceleradas e maravilhosamente coreografadas, culminando até mesmo em uma das linhas mais legais da recente memória de filmes de ação.

Embora “matar” se torne narrativamente épico, em vez disso, mostra-se bastante carente, optando por se concentrar em um confronto com um bando de bandidos ao invés da busca proposta de sawamura. “Matar” tentativas de reconciliar sua falta de motivação narrativa através das lutas do tsuzuki para provar a si mesmo como um samurai e se comprometer com o ato de tirar a vida de outra pessoa. Isso seria perdoável se os temas de violência contra o filme fossem tentados para os personagens que receberam o desenvolvimento adequado como pessoas que o espectador tem a simpatia. Deixando de lado a pobre caracterização, os temas do filme são ironicamente dependentes do estupro da protagonista feminina (yu aoi) de uma maneira excessivamente voyeurista que francamente parecia uma tortura pornográfica. Apesar de seu estilo cinematográfico requintado, as intenções de Tsukamoto de que seu filme seja uma crítica ao Japão moderno resultam em uma bagunça sem inspiração e misógina, superada com sentimentalismo moralista.